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movimiento de obra 

  Revisarán pasado y presente del Salón de la Plástica Mexicana en el coloquio 

Una revisión a través de las diferentes disciplinas

Federico Cantu en el IMSS 2024          

Arte Cantú Y de TeresaCollection

Especialistas analizarán la labor desarrollada en este recinto a través de 

diversas disciplinas; 27 de noviembre a las 10:00, en la Clínica Vitacaremd

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes 

y Literatura (INBAL), a través del Salón de la Plástica Mexicana (SPM), en colaboración 

con la Fundación Bioquimed y la Academia Mexicana de Patología Dual, realizarán 

el Coloquio por el 75 Aniversario del Salón de la Plástica Mexicana. Una revisión

a través de las diferentes disciplinas, en el que se ofrecerá un análisis sobre 

el pasado y presente de este espacio dedicado a la promoción del arte contemporáneo.

Se trata del estudio de 75 años de trabajo ininterrumpido del SPM, a partir 

de la producción artística realizada desde las diversas disciplinas. 

Contará con la presencia de académicos y especialistas, quienes ofrecerán

un espacio de reflexión y análisis sobre la labor de este recinto, el cual 

constituye una de las más antiguas iniciativas del INBAL que, desde su

fundación en 1949, ha dado cabida a la obra más representativa de la plástica nacional.

El Coloquio 75 Aniversario del Salón de la Plástica Mexicana.

Una revisión a través de las diferentes disciplinas integrará las ponencias:

Salón de la Plástica Mexicana: Pasado, presente y futuro, a cargo de 

Carlos Blas Galindo, crítico de arte, curador independiente, artista visual y

conceptual e integrante del Centro Nacional de Investigació Documentación e Información de las Artes Plásticas (Cenidiap) del INBAL.   

Una revisión a través de 75 años de estampa, con la participación de 

Octavio Fernández Barrios, licenciado en historia del arte, con maestría 

en Arte Moderno y Contemporáneo por el Centro de Cultura Casa Lamm. 

Conferencista, investigador y jurado de los certámenes nacionales más

importantes en la especialidad de las artes gráficas. Fue director del 

Museo Nacional de la Estampa de 2008 a 2013, donde produjo más de 

50 proyectos de exposición de alto perfil. 

La tercera ponencia: Una revisión a través de 75 años de fotografía, 

contará con la presencia de Bruno Bresani, investigador brasileño con 

líneas de acción basadas en la migración, el duelo, la política, 

la memoria y el cuerpo. Se ha hecho acreedor a múltiples premios y 

reconocimientos, como el Premio Nacional de Arte Joven 2002, Bienal 

Nacional de Arte Visual Universitario 2003, Mención honorífica Festival 

Black and White de Portugal 2013 y Foto Mérida 2018, entre otros.

Continuará la ponencia Una revisión a través de 75 años de pintura, 

con Emmanuel Albarrán Rueda, licenciado en Ciencias de la Cultura por 

la Universidad del Claustro de Sor Juana. Fue jefe de Registro y 

Manejo de Colecciones en el Museo Tamayo y curador de la exposición 

retrospectiva Umbrales de Xochitiotzin del SPM, integrada por pintura, 

grabado y dibujos realizados durante diferentes periodos.

Por último, Una revisión a través de 75 años de propuestas tridimensionales, 

a cargo de Pablo Kubli, doctor en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. 

Ha realizado esculturas como El ensamblaje escultórico, Tendencia minimalista en México y Máscara. 

Su obra se ha presentado en Puerto Rico,

Seattle, Houston, Bellas Artes y Museo de Arte Moderno del INBAL.

En el marco del coloquio también se presentará la exposición Federico Cantú (1907-1989) 

y la maternidad del IMSS, que integrará 25 piezas realizadas por el artista, entre estampa, 

técnicas mixtas sobre papel, proyectos monumentales y esculturas, a través de las cuales 

se ofrece un recorrido por el proceso que llevó a cabo para consolidar la imagen 

del Instituto Mexicano del Seguro Social, según lo expreso el director de la colección de arte

Cantú Y de Teresa.

El evento se llevará a cabo el miércoles 27 de noviembre, a partir de las 10:00 h,

en la Clínica Vitacaremd, Nave Cultural de la Salud Física y Mental, 

calzada de Tlalpan 2492, colonia Avante, Coyoacán. La entrada es libre.

El Salón de la Plástica Mexicana, 75 años dedicado a la promoción del arte contemporáneo

El espacio fue creado el 16 de noviembre de 1949 para impulsar el mercado del arte mexicano

Se llevó a cabo un coloquio en el que participaron especialistas y académicos que analizaron la historia del organismo, a partir de diversas disciplinas

Con motivo de su 75 aniversario, el Salón de la Plástica Mexicana (SPM) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), espacio de carácter público para la promoción de las artes visuales en nuestro país, llevó a cabo el coloquio Una revisión a través de las diferentes disciplinas, con la participación de académicos y especialistas que analizaron la historia de este recinto y la forma en que ha enfrentado grandes retos para mantenerse fiel a sus valores plurales.

Durante el acto inaugural, celebrado este miércoles 27 de noviembre en la Clínica Vitacaremd, 

Cecilia Santacruz, coordinadora general del SPM, señaló que el evento conmemorativo, 

organizado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el INBAL, 

a través del SPM, en colaboración con la Fundación Bioquimed y la 

Academia Mexicana de Patología Mexicana Dual, “es una revisión a través de diferentes disciplinas,

en la que se ofrece un análisis sobre el pasado, presente y futuro de este organismo dedicado 

a la promoción del arte contemporáneo”. 

Después de agradecer el apoyo brindado por el espacio sede para la realización del coloquio 

y la presencia de algunos integrantes del Consejo Consultivo del Salón de la Plástica Mexicana, 

así como de artistas, académicos y médicos, destacó la importancia que tiene para el 

SPM llegar a diferentes públicos. “El Salón presenta actividades en diferentes sedes y lugares,

como la exposición itinerante que se presenta en Mazatlán, y abrir espacios es parte de la labor del SPM”.

La maestra Aliria Morales, representante del Consejo Consultivo del SPM, afirmó que se 

dice fácil cumplir 75 años, pero es un Salón que solo existe en la República mexicana

y no hay otro en el mundo con esa edad. “Eso es lo que queremos celebrar, y que siga 

porque es el Salón de los artistas. Esperamos que el año que entra se dé la apertura 

a nuevos miembros y podamos seguir adelante, porque es el único orgullo de los artistas unidos”.

Por su parte, Jorge Ocampo, director de la Fundación Bioquimed, afirmó que en la institución 

de salud siempre se aspira a un umbral mayor donde las necesidades de la población puedan 

ser satisfechas. “El ser humano puede transitar con gran entusiasmo por vivir y en ello la 

salud física es fundamental. Deseo que su jornada sea un éxito y nos hagan sentir, desde la 

fotografía, la escultura o la pintura, lo que necesita la población, la salud mental, y si 

algo motiva habilidades superiores y a conocer universos, es el arte”.

Durante la ponencia Salón de la Plástica Mexicana: Pasado, presente y futuro, el crítico de 

arte Carlos Blas Galindo se refirió a la forma en que este recinto fue referencia obligada

para todo aquel artista que aspiraba a tener un lugar dentro de la historia del arte nacional, 

y cómo resulta fundamental plantearse nuevos retos que actualicen los propósitos originales del 

colectivo teniendo presente la misión por la que fue creado.

“El SPM surge para satisfacer una serie de necesidades, como impulsar el mercado del arte mexicano, 

una función específica muy importante que se pudo lograr con muchas galerías privadas o espacios 

culturales oficiales, ahora alternativos. Una comunidad inter-pares apoyada además por el sector 

gubernamental, en este caso por el INBAL, solo ocurre con el SPM, por lo que hay que propiciar 

que siga existiendo”, dijo.

El especialista del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de las Artes 

Plásticas (Cenidiap) del INBAL dijo que, en la actualidad, el SPM no ha perdido su función, 

“pero algo que hay que destacar es lo que estamos haciendo hoy, crear públicos y poner a su 

disposición las obras. En el presente sigue siendo el referente de la producción artística mexicana y

para su futuro podríamos pensar en ir más allá, con un concurso nacional de ingreso al SPM y en detectar necesidades”.

Durante las ponencias posteriores, especialistas y académicos realizaron una revisión a través de 

los 75 años del SPM, en la estampa, la fotografía, la pintura y propuestas tridimensionales; y 

se presentó la exposición Federico Cantú (1907-1989) y la maternidad del IMSS, con una muestra 

del proceso para crear la imagen del Instituto Mexicano del Seguro Social, y piezas como Escultura IMSS, 

versión Deco; Maternidad 1960, Madonna del IMSS. Centro Médico Siglo XXI para el 150 aniversario de 

la Independencia; y el grabado Virgen de Letanía. Todas ellas de la Colección de Arte Cantú y de Teresa.

Surrealism

 

 

Desde siempre, Leonora Carrington, pintora surrealista y escritora mexicana de origen británico, supo que en ella vivían dos mujeres, la bruja y la maga. Y, desde siempre, que explicar su vida, aunque su fama de enigmática no fuera ninguna pose: “Soy tan misteriosa para mí misma como para los demás”, declaró en más de una ocasión.

Impredecible y con una curiosidad insaciable, los que la conocieron estaban convencidos de que era de otro mundo: eso explicaría por qué, habiendo nacido en la Inglaterra más rancia y convencional, se convirtió en la última superviviente del movimiento surrealista.  


El Manifiesto del surrealismo (Manifeste du surréalisme), más adelante conocido como Primer manifiesto del surrealismo es un texto publicado el 15 de octubre en 1924 por André Breton. Originalmente redactado como un prefacio para el libro Poisson soluble, cobró vida e importancia propias. Junto a Paul Éluard escribió después un Segundo manifiesto del surrealismo, publicado cinco años más tarde. A partir de la década de 1960, ambos textos y otros afines redactados posteriormente, también con carácter programático, se unieron para conformar un libro que se publicó bajo el título Manifiestos del surrealismo, el que se tradujo a varios idiomas. La primera edición de estos manifiestos en español se publicó en 1965, con el prólogo de su traductor, Aldo Pellegrini.Aunque el Manifeste de Breton es el que finalmente tuvo mayor difusión, no es estrictamente el primero, puesto que dos semanas antes, Yvan Goll publicó el primer número de la revista Surrealism, que vio la luz el 1 de octubre de 1924 y que también contenía un Manifiesto del Surrealismo.El movimiento surrealista ya había sufrido quiebres, pero con el acto de esta publicación se marca una primera división de aguas entre el grupo en torno a Yvan Goll y el de André Breton y sus amigos. Con la publicación del segundo manifiesto la polarización en el movimiento adquiere un claro contenido político.



 diciembre de 1929, aparece el número 12 de la revista La Révolution Surréaliste y con él la publicación de André Breton de su segundo manifiesto: Second Manifeste du surréalisme. Al contrario del manifiesto anterior, este es un texto esencialmente político y polémico.

El movimiento surrealista había comenzado a politizarse a partir de 1925, publicando diversos textos de denuncia y cartas de protesta contra la guerra dirigidas, entre otros, a la iglesia católica y al dalái lama, en los que el movimiento se pronunciaba por la paz, por la libertad de los presos y de los locos. Sin embargo, a pesar de sus proclamas de izquierda no fueron bien vistos, ni lograron generar confianza de la directiva estalinista que dominaba al movimiento comunista y sus partidos. Aunque quieren incorporarse y militar en el partido francés, son recibidos con suspicacia, críticas ácidas y fuerte desconfianza como movimiento intelectual burgués.

No obstante, en su Segundo Manifiesto del Surrealismo Breton critica duramente a los surrealistas "puros" que no están luchando por la revolución marxista y la causa del comunismo. [8]​ El discurso de Breton se orienta aquí principalmente a explicar por qué el surrealismo tiene implicaciones políticas que lo fuerzan a un compromiso con el comunismo y la revolución social. También dedica parte del escrito a explicar las razones de la expulsión del movimiento de varios de los primeros seguidores.

Pocos años más tarde, tras muchos reacomodos y cambio de postura a ambos lados, el Partido Comunista Francés acaba expulsando a Breton, Éluard y Crével. La nueva escisión da por resultado un grupo de surrealistas identificado con el PCF, y otro que se mantiene junto a Breton y se orienta a partir de ahí hacia el trotskismo.

Este texto provocó varias réplicas en el movimiento, y ocasionó fuerte controversia. Entre otras, cabe destacar la contestación de Robert Desnos, publicada en 1930 y que tituló Troisième Manifeste du surréalisme, [Tercer Manifiesto del Surrealismo].

Robert Pierre Desnos nació en París en el año de 1900. Abandonó sus estudios a la edad de 16 años para comenzar a trabajar en una farmacia, a la vez en que comenzó a mostrar interés durante su adolescencia por los sueños, anotando cuidadosamente los que le parecían significativos, según dejó constancia años después.

Sus primeros poemas, inspirados por los simbolistas franceses y por Apollinaire, se publicaron en 1918 en La Tribune des jeunes (La Tribuna de los Jóvenes), una revista socialista parisina. En 1919, conoció al poeta Benjamin Péret, quien le introdujo en el grupo dadaísta en París y le presentó al también poeta André Breton. Ese mismo año, Desnos participó en la revista vanguardista Le Trait d'union (El Guion). Mientras trabajaba como columnista del periódico Paris-Soir, Desnos se convirtió en un miembro activo del grupo surrealista, desarrollando un talento especial para la escritura automática y el sueño hipnótico. Breton, una vez separado del movimiento dadaísta, lo elogió en su Manifeste du surréalisme (Manifiesto del Surrealismo, 1924) afirmando que era el "profeta" del movimiento y que "hablaba surrealista a voluntad".[2


 1929, Breton condenó definitivamente a Desnos, que se había unido a la revista Documents, del escritor Georges Bataille, y que fue uno de los que firmaron Un cadavre, escrito que atacaba al "buey Breton". Su carrera en la radio empezó en 1932 con un espectáculo dedicado al personaje novelesco Fantômas. Durante aquella época, se hizo amigo de Picasso, Hemingway, Artaud y John Dos Passos; publicó diversas críticas sobre jazz y cine, a la par que se incrementaba su participación en asuntos políticos.

En 1930, publicó The Night of Loveless Nights, poema lírico sobre la soledad, escrito con un estilo clásico, más parecido al de Baudelaire que al de Breton, y Corps et biens (Cuerpos y bienes), que recopila alguno de sus poemarios anteriores. El uso del verso medido y la rima en las obras de esta época le convierten, a ojos de la ortodoxia surrealista, en un 'putrefacto'.Al magisterio de Breton le sucede la influencia de François Villon, Gérard de Nerval y Luis de Góngora, cuya técnica poética admira Desnos.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Desnos fue un miembro activo de la Resistencia francesa, publicando a menudo bajo pseudónimo, y fue detenido por la Gestapo el 22 de febrero de 1944. Fue deportado a Auschwitz, Buchenwald, Flossenbürg y finalmente a Terezín en Checoslovaquia en 1945. Allí falleció de tifus semanas después de que el campo fuera liberado.Está enterrado en el parisino Cementerio de Montparnasse. 1929, Breton condenó definitivamente a Desnos, que se había unido a la revista Documents, del escritor Georges Bataille, y que fue uno de los que firmaron Un cadavre, escrito que atacaba al "buey Breton". Su carrera en la radio empezó en 1932 con un espectáculo dedicado al personaje novelesco Fantômas. Durante aquella época, se hizo amigo de Picasso, Hemingway, Artaud y John Dos Passos; publicó diversas críticas sobre jazz y cine, a la par que se incrementaba su participación en asuntos políticos.

En 1930, publicó The Night of Loveless Nights, poema lírico sobre la soledad, escrito con un estilo clásico, más parecido al de Baudelaire que al de Breton, y Corps et biens (Cuerpos y bienes), que recopila alguno de sus poemarios anteriores. El uso del verso medido y la rima en las obras de esta época le convierten, a ojos de la ortodoxia surrealista, en un 'putrefacto'.Al magisterio de Breton le sucede la influencia de François Villon, Gérard de Nerval y Luis de Góngora, cuya técnica poética admira Desnos.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Desnos fue un miembro activo de la Resistencia francesa, publicando a menudo bajo pseudónimo, y fue detenido por la Gestapo el 22 de febrero de 1944. Fue deportado a Auschwitz, Buchenwald, Flossenbürg y finalmente a Terezín en Checoslovaquia en 1945. Allí falleció de tifus semanas después de que el campo fuera liberado.Está enterrado en el parisino Cementerio de Montparnasse.





La imaginación, para Artaud, es la realidad; sueños, pensamientos e ideas delirantes no son menos reales que lo de "fuera" del mundo. Realidad parece ser un acuerdo, el mismo acuerdo que la audiencia acepta cuando va a un teatro para ver una obra, que por un tiempo pretende que lo que están viendo es real.

Expo 2023

 Expo Sábado 22 Salón 5pm

 El 3 de Marzo de 1907 nacía en Cadereyta de Jiménez Nuevo León Federico Cantú, uno de los Maestros más importantes de la Escuela Mexicana del Siglo XX, hoy lo recordamos con el tema de Leda.

 

EL arte erótico no es nada menos que la historia del deseo humano en todas sus manifestaciones 

Está extasiada pasión sexual, se siente libre en la expresión sexual dibujada a lo largo de centenares de obras concebidas por Federico Cantú.

 ¿Qué es el deseo de hacer arte, si no el deseo de expresar el anhelo de una pasión alcanzada en la vida, esa  sexualidad humana , tierna, lúdica y apasionada brutalmente, desgarradora y transgresora.

 

Cuanto mayor es la descripción implícita entre el creador y el coleccionista , estará más cercano de un ménage a trois, en el que , el espectador, se convertirá en  la tercera parte del triángulo amoroso con una mirada intrusiva. 

 

Dentro de un laberinto mitológico Federico llega al tema de Leda y el Cisne  a finales de los 40s cuando esta trabajando la obra mural de la Caída de Troya , mas tarde decidirá llevar el tema al lienzo , acuarela y por supuesto a la escultura .

Leda y el Cisne es un motivo de la mitología griega, según el cual Zeus descendió del Olimpo en forma de un cisne hacia Leda, mientras esta doncella caminaba junto al río Eurotas. De acuerdo con la mitología griega, más tarde Leda dio a luz a dos parejas de hijos: por un lado, a Helena y a Pólux, que serían hijos de Zeus y, por lo tanto, inmortales; y, por otra parte, a Clitemnestra y a Cástor, considerados hijos de Tíndaro, rey de Esparta, y en consecuencia, mortales. Según la historia, Zeus tomó la forma de un cisne y violó o sedujo a Leda en la misma noche en que ella se había acostado con su esposo.

 

 

 

Bo

 En una magnifica carta que dirigía Diego Rivera al maestro Antonio Ruiz “El Corcito” En febrero de 1942 , en donde pretendía dictar línea de quien merecía ser maestro de la Escuela Esmeralda , Diego hacia alusión a la figura de Emilio Rosenblueth.

“Uno de los mas antiguos efebos hoy convertido en ilustre chismógrafo llego al colmo de querer consagrar como profesional de la pintura a un generoso gerente de potente cervecería”

Claro que se refería a Carlos Orozco Romero y a su discípulo Emilio Rosenblueth Que en 1941 exponía en la Galería mas importante de la época GAM 1941

23 enero Jesús Guerrero Galván

11 de Febrero Carlos Orozco Romero

22 abril Emilio Rosenbluth

Paradójicamente y después de siete décadas la obra de Emilio Rosenblueth aparece en escena en la muestra Imagen, ritmo y movimiento.

Escenarios plásticos de música y danza

En esta foto tomada el 22 de abril de 1941 aparece Emilio en la Galería de Inés Amor, posando junto a una de sus obras Fechada 1940.

La modelo es la pintora Luz Fabila Montes de Oca, que en la mano sostiene a su canario llamado Cucachín.

El pintor Emilio Rosenblueth fue un artista singular. Lo fue por la calidad de su obra. Lo fue también porque habiendo estudiado los rudimentos del dibujo y de la pintura en su adolescencia, no volvió a pintar sino hasta veinte años más tarde. Su producción plástica está inserta en una vida dedicada a la industria y a los negocios. Mediante un proceso misterioso, nació como pintor a los 40 años. Desde entonces, hasta su muerte ocho años después, Rosenblueth dibujó y pintó febrilmente.

En este periodo realizó 300 óleos en los fines de semana y varios cientos de dibujos, así como cuadros hechos con otras técnicas. Es difícil, en su caso, hablar de etapas ya que cuando pinta lo hace con plena madurez.

Otras singularidades del artista fueron su sensualidad y su modestia. 

Siempre ansioso por ensayar y aprender, le sorprendía el éxito de su obra. Tuvo en vida una sola exposición importante. Ella generó entusiastas elogios por parte de los especialistas; sin embargo, debido a la brevedad de su vida como pintor y a que prácticamente toda su producción se conservó entre familiares y amigos, Rosenblueth es desconocido en el medio artístico mexicano. Este libro busca darlo a conocer.

CYDT Collection

Adolfo Cantú